20 diseñadores gráficos que debes conocer

Como diseñador gráfico, hay algunos nombres que debes conocer, por lo que los recopilamos aquí y explicamos por qué estos profesionales son tan importantes en el campo. 

Estos son los diseñadores que han cambiado la forma en que se ve el diseño gráfico en el mundo contemporáneo. Son los inconformistas, los pensadores y los que han marcado la diferencia en el diseño.

Con una amplia gama de diseñadores, desde notables creadores de portadas de discos y libros hasta logotipos y más, hemos cubierto realmente todo el espectro de la industria aquí.

 

1. Kate Moross

Kate Moross, directora creativa de Studio Moross, es una directora de arte y diseñadora de Londres que entró en escena en 2008 con su tipografía característica y su estilo de dibujo enérgico y fluido. 

Desde entonces, Moross se ha convertido en una de los diseñadoras más codiciadas y exitosas del Reino Unido, creando una gran variedad de portadas de álbumes, portadas de revistas, marcas y videos. Moross incluso creó imágenes en vivo para One Direction y la gira de Spice Girls de 2019, que también dirigió.

 

2. Carolyn Davidson

No hay muchos logotipos que sean más reconocidos en todo el mundo que el icónico swoosh de Nike. A menudo, las ideas más simples son las mejores y la marca Nike lo demuestra.

La diseñadora gráfica Carolyn Davidson diseñó el logotipo cuando era estudiante en la Universidad Estatal de Portland en 1971, y el fundador de Nike, Phil Knight, le pagó USD$35 por él (Knight conoció a Davidson en una clase de contabilidad que estaba enseñando).

El logotipo en forma de palomita fue visto como un símbolo de positividad, pero en realidad es el contorno del ala de la diosa griega de la victoria, de quien la marca recibió su nombre. En 2011, Davidson le dijo a OreganLive.com que “fue un desafío idear un logotipo que transmitiera movimiento” y que "Philip Knight estaba muy impresionado con las franjas de la empresa rival Adidas: era cada vez más difícil encontrar algo original".

A medida que Nike crecía en la década de 1980, Philip Knight le dio a Davidson una cantidad no revelada de acciones de Nike (estamos seguros de que compensa la pequeña tarifa por el logotipo).

 

3. Jonathan Barnbrook

Como diseñador de última etapa de David Bowie, Jonathan Barnbrook se ha vuelto aún más prominente en los últimos tiempos. Pero el trabajo de Barnbrook es mucho más profundo que Heathen, The Next Day y Blackstar.

Antes de Bowie, fue quizás más conocido por su influyente diseño de tipografía: Exocet se convirtió en la fuente más pirateada de la web poco después de su lanzamiento en 1991 (también se usó en el videojuego FPS Diablo). 

La fundación VirusFonts de Barnbrook continuó prosperando durante las siguientes dos décadas, siendo Bastard y Tourette buenos ejemplos de sus tipos de letra aún contemporáneos, pero controvertidos.

Regresando a la actualidad y a la obra maestra del diseño de portada de Barnbrook para el álbum final de David Bowie, Blackstar, cuya obra de arte realizo de forma gratuita, es tan buena como el propio disco. 

 

4. Chip Kidd

Con sede en la ciudad de Nueva York, Chip Kidd es mejor conocido por sus impresionantes portadas de libros, sobre todo para la editorial seminal Alfred A. Knopf. Kidd ha trabajado para escritores como James Elroy, Michael Crichton y Neil Gaiman (entre muchos otros).

Jurassic Park es una de sus portadas de libros más notables, y en su monografía de 2005 explicó el pensamiento detrás de esto: "Cuando se trata de recrear una de estas criaturas, todo lo que alguien tiene que hacer son huesos, ¿verdad? Así que ese fue el punto de partida..."

"El dibujo no solo se integró en el póster de la película, sino que se convirtió en el logotipo de la película en sí. Creo que es seguro decir que Jurassic Park T-Rex se convirtió en uno de los logotipos más reconocibles de la década de 1990".

 

5. Rob Janoff 

¿Por qué necesitas saber acerca de Rob Janoff ? Simple: diseñó el logo de Apple. Janoff diseñó posiblemente la marca más famosa del mundo en la actualidad mientras trabajaba en la agencia de publicidad Regis McKenna en 1977. Y aunque se ha modificado, la forma básica se ha mantenido igual desde entonces, un testimonio de su simplicidad y longevidad (y fue creado en solo dos semanas).

En 2013, Janoff dijo en una entrevista que la idea de una manzana con un bocado era "realmente una obviedad". Continuó: “Si tienes una computadora con el nombre de una pieza de fruta, ¿tal vez la imagen debería parecerse a la fruta? Así que me senté durante un par de semanas y dibujé siluetas de manzanas".

“Morder es también un término informático. Vaya, fue un feliz accidente. En ese momento pensé 'esto va a tener un guiño y un asentimiento, y le dará personalidad’”.

¿Y en cuanto a las rayas de colores ahora olvidadas? “El gran problema del Apple II era que era la única computadora que reproducía imágenes en color en el monitor, y era la única computadora que se podía conectar a la televisión en color de un hogar". 

"Además, mucho de eso tenía que ver con los orígenes estéticos de Steve [Jobs] y yo, que era una especie de estética hippy y The Beatles y Yellow Submarine".

 

6. Peter Saville

Peter Saville es mejor conocido por sus diseños de portadas de discos para artistas de Factory Records: recordamos a Joy Division y New Order (Unknown Pleasures, Transmission, Blue Monday y más). Pero su trabajo de portadas abarca cinco décadas. Saville es uno de los diseñadores de portadas de discos más prolíficos de todos los tiempos, si no el más prolífico. 

Pero el trabajo del diseñador nacido en Manchester no se detiene en este tipo de diseños. En 2004 se convirtió en director creativo del City of Manchester; ha trabajado con la élite de la moda, incluidas Jil Sander y Stella McCartney; y en 2010 diseñó el uniforme de local del equipo de fútbol de Inglaterra. 

Nacido en 1955, Saville sigue siendo vigente: en 2018 rediseñó el logotipo de Burberry.

 

7. Michael Bierut

No hay muchas agencias de diseño que sean más respetadas que Pentagram, y convertirse en socio es uno de los principales galardones del diseño. El diseñador y educador Michael Bierut ha sido socio durante 27 años y ha ganado cientos de premios de diseño (también tiene trabajo permanente en el MoMA). Antes de Pentagram, Bierut trabajó durante 10 años en Vignelli Associates.

Los proyectos del diseñador en Pentagram incluyen la identidad y la marca de Benetton, los New York Jets, Walt Disney, el trabajo de diseño en la revista Billboard y el logotipo de la campaña de 2016 de Hilary Clinton. Por supuesto, esto es solo una pequeña parte de su extensa cartera. Bierut también es crítico senior de diseño gráfico en la Escuela de Arte de Yale

 

8. Massimo Vignelli

Massimo Vignelli murió en 2014, llevándose consigo un legado de algunos de los trabajos de diseño más emblemáticos de los últimos 50 años. 

Contando a IBM, Ford, Bloomingdale's (sus diseños de 'Brown Bag' todavía están en uso hoy), Saks, American Airlines y muchos más como clientes, y contando a Micheal Bierut entre sus protegidos, el legado de Vignelli sigue vivo. Vive quizás de manera más prominente en el mapa del metro y la señalización que diseñó para la ciudad de Nueva York en 1972.

En el momento de su muerte en 2014, el diseñador web Justin Reynolds escribió una guía detallada sobre lo que todos podemos aprender de los principios de diseño de Vignelli.

En él, Reynolds escribió: "Fue celebrado tanto por su enseñanza como por su trabajo ... Lo que significa que el legado de Vignelli es de fundamental importancia para todos los diseñadores"

"La web surgió demasiado tarde en su carrera para permitirle hacer una contribución directa al medio, pero los principios de diseño que guiaron su trabajo han tenido un profundo impacto en los procesos y la estética del diseño tradicional y digital".

 

9. Morag Myerscough

Durante más de 30 años, Morag Myerscough ha creado impresionantes instalaciones supergráficas: instalaciones a gran escala, ventanas emergentes y gráficos orientadores que dan vida a los espacios a través de sus colores brillantes característicos. 

Sus clientes, a través de su estudio, Studio Myerscough, incluyen el Barbican de Londres, el Royal London Hospital y el Stockholm Kulturfestival. Para 2021 tiene un proyecto de instalación súper colorido para la ciudad de París, que se construye para un 'después' del Covid.

En 2013, Myerscough reveló a Design Boom lo que la motiva: “Lo que más disfruto [de los proyectos de diseño gráfico ambiental] es que las personas disfrutan y responden a los lugares que hacemos y eso les hace una diferencia". 

"Pongo una narrativa en el edificio; creamos lugares donde la gente siente que pertenece", dice. Sus premios incluyen el Diseño del Año del Museo de Diseño.

 

10. Lindon Leader

Leader por nombre y líder por naturaleza, Lindon Leader es responsable de uno de los logotipos más inteligentes que existen, utilizando el espacio negativo de una manera nunca antes hecha (al menos para una gran empresa global). En 1994, Leader era director senior de diseño en Landor Associates cuando se diseñó el logotipo de FedEx. Posteriormente se aplicó a 600 aviones y 30.000 vehículos terrestres. 

Leader comento, en una entrevista en 2013, que hizo alrededor de 200 diseños para el logotipo antes de decidirse por una lista corta de 10 para mostrársela al gerente de marca de FedEx. ¿Y el uso de espacio negativo? ¿Particularmente esa flecha oculta entre la E y la X? “No puedo decirte cuántas veces peleo con un cliente que dice 'Estoy pagando una enorme cantidad de dinero para pagar un anuncio en una revista y me estás diciendo que quieres que el 60 por ciento sea espacio vacío’?'" el sonríe.

"Por un lado, puedo entender de dónde vienen, pero básicamente el cliente promedio no tiene una apreciación lo suficientemente sofisticada del espacio en blanco como para comprender que puede ser una herramienta de marketing estratégico".

Además de FedEx, Leader trabajó en muchos proyectos de marca de alto perfil mientras estuvo en Landor, y citó a sus favoritos como Hawaiian Airlines, Cigna Insurance y Banco Baresco. Pero Leader entiende lo que significa el logotipo de FedEx: “Si bien creo que soy una bendición y un privilegio de haber dicho que diseñé el logotipo de FedEx, a veces pienso que me voy a ir a la tumba y eso es lo único que la gente va a pensar que hice, y que recordaran de mí". 

 

11. Marian Bantjes

Marian Bantjes es una diseñadora, artista y lectora canadiense. Su enfoque único de la tipografía, entretejiéndolo entre gráficos a menudo ornamentales, le ha ganado una reputación como una de las letras más creativas del diseño contemporáneo, y su sorprendente portafolio la respalda. 

En 2010, lanzó la hermosa monografía Me pregunto (que se volvió a publicar en 2018, con un capítulo adicional). En 2013, lanzó Pretty Pictures, publicado por Thames and Hudson en el Reino Unido / Metropolis Books en los EE. UU.

En 2013, reveló a Nothingmajor.com su fascinación por desafiar la forma en que se ve la tipografía: “Creo que me gusta el hecho de que se pueden introducir formas de letras en tantas formas diferentes. Como el graffiti, estoy fascinada con el graffiti, creo que el graffiti es tan sofisticado desde el punto de vista tipográfico". 

"Me encanta la idea de algo que sea reconocible y legible para quienes saben cómo leerlo, pero no para todos los demás. Me gusta el continuo entre lo legible y lo ilegible, la variación que hay dentro de eso. Me encanta esa capacidad de experimentar con eso y hacer formas que sean interesantes pero que digan algo, pero que no sean abstractas ".

 

12. Susan Kare

Si bien Mr Hyperbole Jony Ive ahora es responsable de todos los íconos que ves en tus dispositivos Mac e iOS, nunca hubiéramos llegado a este punto sin la inimitable Susan Kare, la diseñadora responsable de los íconos originales y elementos de la interfaz en macOS.

Como directora creativa de Apple en la década de 1980, Kare allanó el camino para lo que vemos en nuestros escritorios todos los días: la papelera, la Mac feliz / triste, el ícono de la tecla Comando.

En una entrevista con Kare en 2013, reflexionó sobre su tiempo en Apple: "Realmente disfruté trabajar con Steve Jobs, tanto en Apple como más tarde en NeXT [la empresa fundada en 1985 por Steve Jobs después de que él fuera expulsado de Apple]. Se preocupaba mucho por cada detalle, estaba interesado en el diseño y los gráficos, y me desafió a hacer un mejor trabajo ".

Ella todavía está innovando ahora, con su portafolio con íconos para Facebook, Microsoft, Wired y más. Kare también trabajó en la tipografía Geneva.

 

13. Paul Rand

Paul Rand, nacido en 1914, fue un director de arte y diseñador gráfico estadounidense. Sin duda, era más conocido por su trabajo en logotipos, incluido el de una de las empresas más grandes de Estados Unidos, IBM. El primer logotipo de IBM de Rand se reveló en 1956 como parte del nuevo enfoque de la compañía sobre la importancia del diseño. Usando una gran cara con serif de losa, su declaración fue audaz y segura.

Más tarde, en 1972, Rand perfeccionó el logotipo, dividiéndolo en ocho franjas horizontales (que recuerdan las líneas de exploración de los monitores de tubo de rayos catódicos de la época) e introduciendo el distintivo azul IBM.

Dato interesante: Paul Rosenbaum es el nombre real, pero cuando se estableció como diseñador, acortó su nombre a Paul Rand: cuatro letras para el nombre y el apellido. Su nombre se convirtió en un símbolo por derecho propio.

Rand también diseñó el logotipo de NeXT, la empresa post Apple de Steve Jobs. Sobre Rand, Jobs dijo: “Le pregunté si se le ocurrían algunas opciones y me dijo: 'No, resolveré tu problema por ti ya que me pagarás. No tienes que usar esa solución. Si quieres opciones, habla con otras personas '”. Rand falleció en 1996.

 

14. Alan Fletcher

Alan Fletcher fue uno de los socios fundadores de Pentagram y uno de los diseñadores gráficos más respetados de su generación (y, de hecho, de cualquier generación). Su trabajo abarca décadas, pero quizás fue más prolífico y reconocido en sus años de Pentagram.

El logotipo de Fletcher para el museo V&A de Londres es un testimonio del atractivo atemporal de su trabajo: diseñado en 1989, todavía se mantiene vigente. Las serifas de estilo Bodoni, relativamente frágiles, funcionan de manera brillante con el espacio negativo para crear un logotipo seguro y de alto contraste. Fletcher falleció en 2006.

 

15. Stefan Sagmeister

Nacido en Austria, el diseñador gráfico y tipógrafo Stefan Sagmeister, afincado en Nueva York, disfrutó de un resurgimiento profesional en 2012 cuando contrató a Jessica Walsh como socia de su estudio, que se llamo Sagmeister & Walsh. Tal como lo había hecho cuando lanzó su propio estudio, Sagmeister anunció su asociación con una sesión de fotos desnudos. Esto hizo el trabajo de relaciones públicas.

Esta asociación se disolvió en 2019, y ahora se ejecuta como Sagmeister Inc.

Pero en Sagmeister hay más que desnudez. Su trabajo, a menudo conceptual y que invita a la reflexión, ha llamado tantas cabezas como sus trucos de relaciones públicas: en particular, su trabajo de 'corte' para AIGA y su increíble arte de un álbum para Lou Reed.

 

16. Jessica Walsh

En los últimos tiempos, Jessica Walsh se ha convertido en una de las diseñadoras gráficas más reconocidas del mundo. En 2010, estaba trabajando en la revista Print, donde se acercó a Stefan Sagmeister para pedirle consejo. Pasó cinco minutos hojeando su portafolio y le ofreció un puesto en Sagmeister Inc en el acto. "Dejé mi trabajo a la mañana siguiente", sonrió cuando relató su historia en una entrevista.

Sagmeister confirmo la atracción: "Me encantó de inmediato su carácter alegre y su forma de trabajar sensata". Walsh aportó una nueva producción a la ya icónica empresa de diseño, y en 2012 se convirtió en socia. En julio de 2019, Walsh dejó esa asociación para formar su propio estudio, & Walsh, que dirige hasta el día de hoy.

Otra asociación, esta vez con el fotógrafo Timothy Goodman, también llegó a los titulares. El proyecto de 40 días de citas del dúo documentó su búsqueda del amor a través de la ilustración y el diseño de algunos de los diseñadores más importantes del mundo. Replicaron ese éxito con un nuevo proyecto, 12 Kinds Of Kindness, en 2016.

Walsh también creó la organización sin fines de lucro Ladies, Wine and Design en 2016. Con sucursales en 280 ciudades de todo el mundo, alienta a las mujeres a colaborar y empoderarse mutuamente dentro de la industria del diseño.

 

17. Max Miedinger

Neue Haas Grotesk, diseñada en 1957. ¿Familiar? ¿No? Bueno, si no, este es el tipo de letra que pasó a llamarse Helvética en 1960. Y Max Miedinger fue el hombre detrás del tipo de letra ahora omnipresente. Tan neutral como legible, la ubicuidad de Helvética sin duda la ha convertido en la tipografía de amor / odio de hoy.

Meidinger aprendió su oficio en la década de 1930 y, después de la Segunda Guerra Mundial, trabajó en Haas Type Foundry en Suiza. La historia detrás de Helvética es la siguiente: la fundación necesitaba un tipo de letra que rivalizara con Akzidenz-Grotesk de H Berthold. Meidinger tardó meses en redactar el nuevo tipo de letra antes de presentárselo al director de la empresa, Eduard Hoffmann.

Neue Haas Grotesk pronto se cambió a Helvitia (para denotar los orígenes suizos del tipo de letra) antes de que otro ajuste lo convirtiera en Helvética.

Se ha utilizado en todas partes, desde el logotipo de American Airlines hasta BMW y, bueno, cientos de grandes marcas. E incluso hoy en día es la elección de los diseñadores que desean un tipo de letra limpio y legible que sea una expresión de perfección modernista. 

Pero Helvética no es para todos; después de todo, la familiaridad genera desprecio.

 

18. David Carson

Como director de arte de la revista de música y estilo de vida Ray Gun, David Carson se convirtió en el diseñador gráfico más influyente de la década de 1990. Su estilo de tipografía grunge poco convencional supuso una nueva era en el diseño. 

¿Un ejemplo de su genio? Estableciendo lo que pensó que era una aburrida entrevista con Bryan Ferry completamente en la fuente del símbolo Dingbat.

La primera edición de su monografía End of Print, publicada por primera vez en 2000, vendió 35.000 copias, y muchas más desde entonces. Es una lectura esencial para cualquier diseñador gráfico, nuevo o establecido.

"Lo que importa es que tengas un sentido intuitivo del diseño, escúchalo y explora tu singularidad a través de tu trabajo", dijo en una entrevista. "Crea reglas que funcionen para ti y el tipo de trabajo que estás haciendo. Nunca aprendí todas las cosas en la escuela que se suponía que no debía hacer, así que hice, y sigo haciendo, lo que tiene sentido para mí".

 

19. Neville Brody

El diseñador, tipógrafo y director de arte inglés Neville Brody saltó a la fama con su increíble dirección de arte de la revista británica de culto The Face entre 1981 y 1986. También es conocido por dirigir la revista Arena (1987-1990) y diseñar portadas de discos para artistas como Cabaret Voltaire y Depeche Mode.

Brody también fundó Research Studios y rediseñó The Times en noviembre de 2006 (con la creación de una nueva fuente, Times Modern) y el sitio web de la BBC en septiembre de 2011.

En una entrevista en 1995, hizo esta predicción progresiva: "El error que ha cometido la gente es suponer que la computadora es solo una herramienta. No es solo un dispositivo que ahorra trabajo como una batidora de alimentos o una lavadora. la computadora es un nuevo medio como la televisión o el cine. O los libros ".

Y en una entrevista más reciente, cuando se le preguntó cómo se siente por ser un ícono del diseño, bromeó: "Ni siquiera puedes pensar en eso. No te despiertas por la mañana y dices: '¡Oye! ¡Soy un icono del diseño! ¿Qué debo hacer hoy? ¡Estas terminado si haces eso! ¡Imagínate! "

 

20. Paula Scher

Socia de Pentagram y casi con certeza la diseñadora gráfica más influyente que existe en la actualidad, el trabajo de identidad y marca de Paula Scher para proyectos como MOMA, New York City Ballet, Microsoft y NYC Transit son algunos de los mejores ejemplos del género que verás alguna vez. Sus mapas tipográficos también son sublimes. 

En una entrevista con Scher de 2009 sobre cómo aprender de los errores de diseño, dijo: "Cuando trabajé en CBS, desde mediados de la década de 1970 hasta casi el final, cuando se acabó el dinero, fue un momento maravilloso para diseñar porque podía hacer descubrimientos de forma gratuita, en gran parte porque tenía mucho trabajo que hacer y gran parte de lo que hice fue terrible".

"... Para ser bueno, tienes que ponerte realmente malo. Tienes que cometer algunos errores terribles, horribles".

 

 


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