Los 12 principios de animación de Disney fueron presentados por primera vez por los animadores Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro The Illusion of Life: Disney Animation, publicado por primera vez en 1981.
Al examinar el trabajo de los principales animadores de Disney desde la década de 1930 en adelante, este libro ve a Johnston y Thomas reducir su enfoque a 12 principios básicos de animación.
Al formar la base de todo el trabajo de animación, estos principios son relevantes para una serie de campos diferentes. Aunque el uso más claro es para animar un personaje, estas reglas también son una guía invaluable en otras áreas, por ejemplo, al introducir movimiento en una interfaz con alguna animación CSS.
Los 12 principios de la animación de Disney
En este artículo, echamos un vistazo más de cerca a cada principio de animación junto con un ejemplo para hacer mas fácil su comprensión. Pero si lo que quieres es trabajar en ellos y verlos totalmente en acción, podrías comenzar a practicar con algún buen curso de animación.
Aunque los 12 principios originalmente fueron desarrollados para usarse en animación tradicional, estos también pueden utilizarse como guías en diseño interactivo para la creación de transiciones y otros tipos de productos digitales.
1. Estirar y encoger
El principio de estirar y encoger se considera el más importante de los 12 principios de la animación. Cuando se aplica, le da a los personajes y objetos animados la ilusión de gravedad, peso, masa y flexibilidad. Piensa en cómo puede reaccionar una pelota de goma que rebota cuando se la lanza al aire: la pelota se estira cuando viaja hacia arriba y hacia abajo y se aplasta cuando toca el suelo.
Al usar estirar y encoger, es importante mantener constante el volumen del objeto. Entonces, cuando estiras algo, necesita volverse más delgado, y cuando aplastas algo, necesita ensancharse.
2. Anticipación
La anticipación ayuda a preparar al espectador para lo que está por suceder. Cuando se aplica, tiene el efecto de hacer que la acción del objeto sea más realista.
Considera cómo te verías si saltaras en el aire sin doblar las rodillas, o quizás lanzaras una pelota sin primero tirar del brazo hacia atrás. Parecería muy poco natural (¡puede que ni siquiera sea posible saltar sin doblar las rodillas!). De la misma manera, animar movimientos sin un parpadeo de anticipación también hará que el movimiento parezca incómodo, obsoleto y sin vida.
3. Puesta en escena
La puesta en escena en animación es muy parecida a la composición en obras de arte. Lo que queremos decir con esto es que debes usar el movimiento para guiar el ojo del espectador y llamar la atención sobre lo que es importante dentro de la escena. Mantén el foco en lo que es importante dentro de la escena y mantén el movimiento de todo lo demás sin importancia al mínimo.
4. Acción directa y pose a pose
Hay dos formas de manejar la animación de dibujo: en línea recta y de pose a pose. Cada uno tiene sus propios beneficios, y los dos enfoques a menudo se combinan. La acción directa implica dibujar cuadro por cuadro de principio a fin. Si estás buscando movimientos fluidos y realistas, la acción directa es la mejor apuesta.
Con la técnica de pose a pose, dibujas el cuadro inicial, el cuadro final y algunos cuadros clave intermedios. Luego vuelves y completas el resto. Esta técnica da un poco más de control dentro de la escena y permite incrementar el efecto dramático del movimiento.
5. Acción de seguimiento y superposición
Cuando los objetos se detienen después de estar en movimiento, diferentes partes del objeto se detendrán a diferentes velocidades. De manera similar, no todo en un objeto se moverá a la misma velocidad. Esto forma la esencia del quinto de los principios de animación de Disney.
Si tu personaje corre por la escena, es posible que sus brazos y piernas se muevan a un ritmo diferente al de su cabeza. Esta es una acción superpuesta. Del mismo modo, cuando dejen de correr, es probable que su cabello continúe moviéndose durante algunos fotogramas antes de detenerse; esto es seguimiento. Estos son principios importantes que debes comprender si deseas que tu animación fluya de manera realista.
6. Acelerar y desacelerar
La mejor manera de entender la velocidad de entrada y salida es pensar en cómo un automóvil arranca y se detiene. Comenzará a moverse lentamente, antes de ganar impulso y acelerar. Ocurrirá lo contrario cuando el coche frene. En animación, este efecto se logra agregando más fotogramas al principio y al final de una secuencia de acción. Aplica este principio para dar más vida a tus objetos.
7. Arco
Cuando se trabaja en animación, lo mejor es ceñirse a las leyes de la física. La mayoría de los objetos siguen un arco o una ruta cuando se mueven y tus animaciones deben reflejar ese arco. Por ejemplo, cuando lanzas una pelota al aire, sigue un arco natural a medida que los efectos de la gravedad de la Tierra actúan sobre ella.
8. Acción secundaria
Las acciones secundarias se utilizan para apoyar o enfatizar la acción principal que ocurre dentro de una escena. Agregar acciones secundarias ayuda a agregar más dimensión a los personajes y objetos.
Por ejemplo, el movimiento sutil del cabello de un personaje mientras camina, o tal vez una expresión facial o un objeto secundario que reacciona al primero. Cualquiera que sea el caso, esta acción secundaria no debe distraer la atención de la primaria.
9. Sincronización
Para este principio de animación, debemos volver a mirar las leyes de la física y aplicar lo que vemos en el mundo natural a nuestras animaciones. En este caso, la atención se centra en el tiempo.
Si mueves un objeto más rápido o más lento de lo que se movería naturalmente en el mundo real, el efecto no será creíble. Usar el tiempo correcto te permite controlar el estado de ánimo y la reacción de tus personajes y objetos. Eso no quiere decir que no puedas forzar un poco las cosas (especialmente si estás creando un mundo imaginario), pero si lo haces, sé constante.
10. Exageración
Demasiado realismo puede arruinar una animación, haciéndola parecer estática y aburrida. En su lugar, agrega algo de exageración a los personajes y objetos para hacerlos más dinámicos. Encuentre maneras de empujar los límites más allá de lo posible, y tus animaciones aparecerán.
11. Dibujo sólido
Necesitas entender los conceptos básicos del dibujo. Esto incluye saber dibujar en el espacio tridimensional y comprender la forma y la anatomía, el peso y el volumen, las luces y las sombras.
Si bien aquí también puedes superar los límites, es importante mantener la coherencia. Si tu mundo tiene puertas torcidas y una perspectiva deformada, mantén esa perspectiva durante toda la animación. De lo contrario, las cosas se derrumbarán.
12. Atractivo
Tus personajes, objetos y el mundo en el que viven deben atraer al espectador. Esto incluye tener un diseño fácil de leer, un dibujo sólido y una personalidad. No existe una fórmula para hacerlo bien, pero comienza con un fuerte desarrollo del personaje y poder contar una historia a través del arte de la animación.
Gifs ilustrativos vía cento lodigiani
