Todo diseñador gráfico que se precie sabe lo importante que es diseñar la tipografía. No se puede negar que el uso inteligente de las fuentes, el espaciado y la estructura captará la atención de un espectador y generará mejores respuestas.
La tipografía es el arte (y la ciencia) de ordenar las letras para que el texto sea claro, legible y visualmente atractivo. Hazlo bien y podrás provocar ciertas emociones y transmitir mensajes poderosos sin decir mucho.
Conocer los conceptos básicos de la tipografía no solo te ayudará a mejorar tu diseño, sino que también podrás doblar esas reglas a tu favor.
Aquí hay algunas pautas de tipografía recomendadas por expertos que pueden ayudarte a desarrollar tus habilidades de diseño. Echemos un vistazo.
1. Comienza por lo básico
Al igual que con cualquier práctica de diseño, es imperativo conocer el meollo del arte. Podrías pensar que puedes tocarlo de oído, pero la verdad es que la tipografía es bastante compleja. Entonces, como principiante, familiarízate con los principios fundamentales de la tipografía.
Los elementos básicos de diseño de la tipografía, en cualquier idioma, incluyen espaciado, color, tipo de letra, contraste, consistencia, jerarquía y alineación.
Tómate un tiempo y aprende sobre estos conceptos básicos: los diferentes tipos de letra, el vocabulario específico y las medidas involucradas. Tómate un tiempo para experimentar con ellos.
2. No tomes la selección de fuentes a la ligera
Es tentador elegir un tipo de letra que te llame la atención al azar y empezar, pero ese es uno de los mayores errores que puedes cometer en el mundo de la tipografía.
Te sorprendería saber que la psicología está vinculada a diferentes tipos de letra, ya que estos pueden establecer el tono de su pieza y desempeñar un papel en la forma en que la audiencia ve su contenido. Como diseñador, debe asegurarte de que la fuente que utilizas se adapte a tu proyecto.
No elegirías una fuente decorativa o fantasía para un folleto de bufete de abogados, ¿verdad? Tal vez para una tarjeta de cumpleaños, pero ciertamente no para algo formal.
3. Comprende el kerning
No hay nada que pueda alejar más a un cliente o espectador de tu texto, que el kerning desigual y descuidado.
Es el acto de optimizar el espacio entre caracteres para hacer que su contenido sea más atractivo y optimizado. No parece mucho, pero el kerning bien coordinado puede marcar una gran diferencia para alguien que vea tu diseño. El objetivo es hacer que el espacio entre cada elemento sea estéticamente uniforme.
Herramientas útiles como Adobe Illustrator pueden ayudarte con problemas de kerning. Pero recuerda que solo mejorarás con la práctica regular.
Muchos errores de kerning son sutiles y difíciles de detectar, especialmente en párrafos largos. Tu objetivo debe ser minimizar esos errores de espaciado y evitar problemas de interletraje en los titulares o logotipos porque pueden estropear todo el diseño.
4. Ten en cuenta la jerarquía visual
Hacer uso de la jerarquía visual es una forma brillante de enfatizar partes particulares de un contenido en las que deseas que se centre el lector.
La jerarquía visual se puede utilizar de manera eficaz para guiar al lector a través de tu texto estableciendo y cambiando el orden en el que sus lectores reciben la información. Trata de guiar su vista resaltando los titulares, párrafos y saltos importantes en tu texto. Optimiza tu contenido de los aspectos más importantes a los menos importantes de manera visual.
Sin una jerarquía visual tipográfica, tu pieza parecerá una gran masa de contenido. A un espectador les resultará difícil concentrarse en tu trabajo. ¡Y aburrir a tu cliente es el mayor pecado que puedes cometer como diseñador!
5. Elije sabiamente tus fuentes
Muchos diseñadores aficionados a menudo se equivocan e incorporan muchos estilos de fuente. No los culpamos, es tentador pensar que usar varios estilos de fuente hará que una pieza se destaque. Bueno, eso no es cierto.
El uso de muchas fuentes puede provocar la saciedad de un cliente o espectador. Es probable que la esencia de tu contenido se pierda entre las diferentes fuentes y combinaciones de colores. Y lo que es peor, tu pieza parecerá poco profesional e incoherente.
La variación de fuente ideal debe ser de dos a tres tipos de letra como máximo. Usa una fuente y tamaño para el cuerpo, uno para el encabezado y otro para el subtítulo. Puedes usar diferentes fuentes siempre que tu pieza sea coherente. Deben evitarse dos tipos de letra de aspecto similar, ya que no agregarán ningún valor a tu diseño.
6. Céntrate en la alineación
La alineación de fuentes es un concepto muy importante en tipografía. Con Microsoft Word, explore los cuatro tipos de opciones de alineación disponibles: alineado a la izquierda, alineado a la derecha, alineado al centro y justificado.
La forma de alineación más común y estándar es la alineación a la izquierda. Lo encontrarás como el predeterminado en la mayoría de los textos porque sigue los hábitos de lectura naturales de un lector o espectador. La gente está acostumbrada a leer de izquierda a derecha. Otros tipos de alineación pueden resultar discordantes si se usan con regularidad y sin un propósito.
Sin embargo, la alineación central se utiliza a menudo para los títulos. También ofrece pausas en la escritura, como agregar una cita entre dos párrafos. Mientras tanto, la alineación derecha se puede utilizar para organizar el texto de manera agradable en un lado para el contexto, como en los currículums.
Una cosa para recordar: ten cuidado con las líneas irregulares con alineación tanto a la izquierda como a la derecha. Las líneas que sobresalen pueden hacer que toda la pieza se vea descuidada y agregar protuberancias en el texto.
7. Haz uso de retículas o cuadrículas
Habiendo hablado sobre la alineación, hay otra forma en que puedes ajustar tu contenido espacialmente. Eso es incorporar retículas en tu diseño. Una retícula de diseño asegura que todo en tu texto, sin importar cuán poco, se agregue en relación con otra cosa.
Esto conduce a la armonía visual y le da coherencia a tu pieza. Piense en ello como una plantilla de diseño para tu trabajo.
No es necesario utilizar retículas de diseño para cada pieza. Puedes prescindir de ellas para obtener detalles más simples, pero seguramente te ayudarán a alinear todo muy bien cuando agregue complejidades a tu diseño.
8. No estires ni distorsiones las fuentes
Una vez que hayas encontrado la fuente adecuada para tu contenido, no modifiques su tamaño para hacerlo más ancho o más alto.
Puede resultar tentador estirar las fuentes para llenar más espacios vacíos. Debes saber que cada fuente se crea teniendo en cuenta su forma, tamaño y textura. Por lo tanto, extenderla o encogerla puede estropear su atractivo estético.
En lugar de distorsionar las fuentes, elije las adecuadas que se ajusten a tu proyecto. Hay un suministro interminable de fuentes gratuitas y de pago en línea, así que selecciona sabiamente.
Una técnica llamada medición tipográfica puede ayudarte a elegir las fuentes adecuadas. Es importante recordar que las fuentes ocupan diferentes raciones de espacio en un texto, lo que hace que la medición de la fuente sea crucial al diseñar, por ejemplo, una página web.
Se utiliza un método de "sistema de puntos" para medir las fuentes. La altura de un carácter se denomina "altura x" y el ancho se conoce como "ancho definido". Elije fuentes con el mismo tamaño y ancho al emparejar dos fuentes.
9. Elije una fuente secundaria para emparejar con prudencia
Si bien te advertimos que no uses demasiadas fuentes en una sola pieza, emparejar fuentes estratégicamente puede agregar mucho valor a tus proyectos de contenido.
En términos generales, está bien usar hasta 3 variaciones de fuente para el título, el subtítulo y el cuerpo del texto. Utiliza diferentes fuentes para títulos y subtítulos para establecer una jerarquía visual. Evita el uso de fuentes extremadamente contrastantes o fuentes similares donde puede ser difícil distinguir entre las dos.
La segunda fuente debe mejorar la primera fuente, no eclipsarla ni cancelarla mientras se mantiene la consistencia del diseño.
10. Evita subirte al tren de las tendencias
El diseño gráfico se parece mucho a la moda: los estilos que están de moda hoy en día desaparecerán mañana.
Por lo tanto, trate de evitar los diseños de moda que podrían hacer que su trabajo se vea bien ahora, pero que lo dejarán anticuado y extraño dentro de unos meses.
Está bien incorporar algunos de ellos en sus diseños. Solo recuerda no exagerar. Quieres que tu contenido resista la prueba del tiempo.
11. Apégate a las reglas gramaticales
La gramática parece ser el dominio de un escritor, ¿verdad? ¿Qué relevancia tiene la gramática para diseñar?
Bueno, la gramática gobierna las reglas para hablar y escribir un idioma. Al mismo tiempo, la tipografía es el arte de configurar y ordenar las palabras de manera que se vean bien. Úsalos juntos para que tu composición tipográfica se vea bien.
Las discrepancias en la gramática y la puntuación pueden reducir drásticamente el valor de tu trabajo. El uso adecuado de la puntuación puede distinguir entre contenido profesional y una pieza llena de errores de aficionados. Los mejores diseñadores siempre prestan especial atención a los detalles.
Ten cuidado con los espacios dobles, las comas y los signos de puntuación mal colocados, las mayúsculas incorrectas y los guiones, además de guiones y símbolos excesivos.
12. No subestimes la importancia del espacio en blanco
El espacio en blanco es el área entre los elementos de diseño. También es el espacio dentro de los elementos de diseño individuales, incluido el espacio entre los glifos tipográficos (caracteres legibles).
A pesar de su nombre, los espacios en blanco no necesitan ser blancos. Puede ser de cualquier color, textura, patrón o incluso una imagen de fondo.
Los espacios en blanco pueden causar problemas entre diseñadores y clientes. La teoría del diseño promueve el uso del espacio en blanco para lograr elegancia y garantizar una experiencia de usuario de calidad. Lamentablemente, muchos clientes consideran que los espacios en blanco son espacios desperdiciados. Piensan que podría usarse para albergar más información u otros elementos visuales.
Por el contrario, el espacio en blanco es una gran herramienta para equilibrar los elementos de diseño y organizar mejor el contenido para mejorar la experiencia de comunicación visual.
El espacio en blanco se utiliza para enfocar y agregar atractivo visual a tu composición. Permite que tu diseño “respire”.
El uso eficiente del espacio en blanco puede agregar valor a tu pieza al equilibrar el texto. También se puede utilizar de forma bastante creativa para llamar la atención sobre determinadas partes de tu trabajo. Por ejemplo, agregar espacios en blanco alrededor de los elementos importantes de tu contenido ayuda a resaltarlos y ser el único foco del diseño.
13. Comprueba la escala y las proporciones
Asegúrate de que tu tipografía se ajuste a las dimensiones del espacio donde vas a trabajar. Acerca y aleja el zoom para asegurarte de que tu tipografía sea proporcional a todo el ancho y largo de la pantalla.
Asegúrate de configurar tu margen a la derecha; este es el espacio vertical entre cada línea. Generalmente, el valor ideal es alrededor de 1,25 a 1,5 veces mayor que el tamaño de fuente.
14. Elije tu paleta de colores sabiamente
Una paleta de colores estratégicos puede ser tu mejor arma como diseñador gráfico. Usa colores complementarios y contrastantes para agregar significado a tu contenido y utiliza la rueda de colores para elegir los colores adecuados para tu diseño.
Los diferentes colores pueden tener ciertos efectos en un espectador, cliente o lector y ayudar a crear el ambiente. Por ejemplo, el rojo invoca la pasión, mientras que el azul tiene un efecto calmante. Ve cómo puede usar diferentes colores a tu favor.
Sin embargo, asegúrate de que tus colores no eclipsen el contenido. Los colores deben mejorar el contenido, no superarlo.
15. Prioriza la legibilidad
La legibilidad es clave para tus diseños. Tus clientes o lectores deberán poder leer tu mensaje sin ninguna dificultad. En ningún caso tus métodos deben obstaculizar el texto principal de su contenido.
Evita el uso de fondos oscuros, colores discordantes, fuentes pequeñas y demasiadas imágenes. El mejor diseño no tiene valor si no es legible.
16. Cuidado con las "viudas" y las "huérfanas".
¿Qué son las “viudas” y los “huérfanos” y por qué son importantes en la tipografía?
Ciertamente ha existido un poco de confusión con la definición; muchas personas intercambian los términos a voluntad, o ignoran la existencia de alguno y llaman a ambos de una misma manera.
En palabras muy simples, una viuda es la última línea de un párrafo que cae al principio de la siguiente columna. En cambio, una huérfana es tanto la última palabra de un párrafo ubicada en una línea al final de dicho párrafo, como la primera línea de un párrafo que queda al final de una columna, y continua en la consiguiente.
Para evitar “viudas” y “huérfanas”, ajuste la longitud de tus líneas manualmente o ajuste el tamaño de la columna o el cuadro de texto.
17. Piensa como un artista
No pienses en la tipografía como un uso estratégico de las fuentes. Es más que simplemente crear texto sin formato. Trata tus fuentes como una forma de arte.
No te límites a los tipos de letra y las fuentes existentes. Invoca la creatividad en tus diseños tipográficos y usa remolinos, texturas, líneas o elementos creativos que creas que complementarán tu fuente.
18. Usa herramientas adecuadas para apoyarte
Un diseñador es un artesano. Y todo artesano necesita las herramientas adecuadas para su arte. Puedes utilizar muchas herramientas para ayudarte en el diseño tipográfico. Es bueno comparar las herramientas tipográficas tú mismo para decidir qué herramientas ayudarán a tu diseño y cuáles no te serán de utilidad.
Conclusión
Una vez que hayas entendido estos fundamentos de la tipografía, deje el resto a tu creatividad y habilidades de diseño. Todo es subjetivo de aquí en adelante. Deja que tu mercado objetivo te inspire para hacer diseños de tipografía que cuenten grandes historias y evoquen las emociones de tu audiencia.
